Quien te Cantará

Quién te Cantará

Hoy toca una breve crítica sobre una cinta muy compleja y arriesgada pero indudablemente genial. Esta es Quién te Cantará, la nueva película de la mayor promesa en el mundo de la dirección surgida en España desde Amenábar.

Es una cinta que realmente me ha encantado. Tenía mucha confianza en que me iba a gustar, pero no que me iba a fascinar de esta forma. Es complejo hablar de esta cinta sin caer en spoilers, pero intentaré evitarlos y si los usos avisaré previamente.

Introducción

La cinta nos narra como la cantante Lila Cassen, que tuvo mucho éxito en los 90, desaparición misteriosamente de un día para otro. Diez años después, Lila se prepara para regresar a los escenarios, pero poco antes de la fecha de su vuelta sufre un accidente que le hace perder la memoria. Por otro lado, tenemos al personaje de Violeta que vive dominada por su conflictiva hija Marta y es fan de Lila.

Este es el argumento de la nueva obra de Carlos Vermut, director de una de las películas más sorprendentes de los últimos años, Magical Girl. La cinta comenzó como una de las favoritas al comienzo de la carrera hacia los Goya, pero acabó siendo ninguneada de forma injusta en las dos categorías principales (director y película).

El Reino fue una más que justa ganadora y es una película que adoro, pero esta cinta es una maravilla como hacía años que no teníamos en el cine patrio. En parte es lógico que una película arriesgada, compleja, con múltiples lecturas y pausada (no es una cualidad negativa) no obtenga premios, pero no deja de ser una verdadera lástima como ha quedado en el olvido.

Historia de mujeres con ecos de Bergman

Lo primero que hay que comentar es que estamos ante una obra donde las mujeres vuelven a ser las protagonistas absolutas, igual que en el resto de la filmografía del director madrileño. Tenemos dos personajes que son Lila, cantante de mucho éxito en los 90 y que cuando estaba a punto de volver a los escenarios sufre un accidente y Violeta imitadora de Lila en el Karaoke y con una hija muy conflictiva.

La cinta tiene influencias de Almodóvar en el tratamiento de las relaciones entre las mujeres protagonistas y de la obra maestra de Bergman Persona. En la superficie es una cinta realista que narra una historia trágica y muy intensa de dos mujeres que en cierto modo buscan darle sentido a su vida y se encuentran y entablan una relación de amistad y aprendizaje mutuo muy intensa, pero la película tiene algo más.

Entre las dos mujeres se establece una relación simbiótica donde cada vez es más complejo distinguir sus personalidades al estilo Mulholland Drive, la ya mencionada Persona o incluso Vértigo). La historia que se narra es retorcida y en cierto modo narra una historia de fantasmas donde podemos ver un proceso de vampirización entre ambas protagonistas y substracción de personalidades. Todo ello finalizado con un impactante tramo final. Realmente poco más se puede decir sin desvelar algo importante de la trama.

Y por el medio de toda esta historia extraña e hipnótica tenemos la subtrama de la relación entre Violeta y su hija Marta. Una historia dura, pero a la vez fascinante que por momentos corta la respiración, algo que ya se sentía al visualizar su anterior obra Magical Girl.

Visualmente perfecta, dirección de altura

Visualmente la cinta es perfecta con una elección de colores perfecta y una ambientación brutal que envuelve toda la cinta y te impide siquiera pestañear. Con todo ello crea una atmósfera increíble que ayuda a potenciar toda esa sensación de estar ante una historia de fantasmas y personalidades mezcladas (visualmente los ecos a Vértigo del maestro Hitchcock son claros).

Por otro lado, la dirección de Carlos Vermut es de primer nivel y deja claro que a día de hoy no hay nadie en España a su nivel. Ya había mostrado sus dotes de dirección en Magical Girl y la muy curiosa Diamond Flash, pero aquí depura mucho su estilo haciéndolo más suave, elegante y pausado, pero sin renunciar en ningún momento a su estilo personal.

Cada fotograma es como un cuadro en movimiento y eso es algo que adoro del cine, cuando simplemente con una imagen sin diálogos es capaz de expresarlo todo sin necesidad de palabras y de mantenerte hipnotizado.

Actrices soberbias

Otro de los puntos fuertes de la cinta es el nivel de las actrices. Por un lado, tenemos a Najwa Nimri que vuelve a lo grande al cine español interpretando a una diva que pretende volver a serlo. Su interpretación es muy sutil y comedida, justo lo que se pedía a un personaje así

Pero la que está a un nivel altísimo es Eva Llorach que realiza una interpretación sublime en un papel nada sencillo donde combina a la perfección esa sumisión a su hija, su anhelo de tener la vida de Lila y su admiración hacia esta última con una sutileza e intensidad increíbles. Con una simple mirada es capaz de expresarlo todo.

También es muy destacable el trabajo de Natalia de Molina como Marta, hija de Violeta en una interpretación más volcánica y muchos menos sutil que la de sus dos compañeras. Algo lógica para el personaje que interpreta.

Conclusión

Estamos ante una obra maravillosa que es ya un clásico del cine español y que sin duda será recordada. Posee múltiples lecturas y sin duda merece un revisionado para captar mejor todos los detalles. Visualmente perfecta, dirección de altísimo nivel, combina a varios directores (Hitchcock, Almodóvar y Bergman) con su estilo muy personal y tiene tres actrices en estado de gracia. Dadle una oportunidad porque sin duda merece la pena.

Nota: 9

Películas similares: el resto de la filmografía de Vermut, Vértigo, Persona.

Hasta pronto.

Led Zeppelin I

Led Zeppelin I

Hoy toca hablar del álbum debut de los míticos Led Zeppelin. La crítica será breve y al final hablaré en unas pocas líneas década una de las canciones que componen el disco.

Introducción

Cuando nombramos a Led Zeppelin estamos hablando de una de las bandas más importantes de la historia de la música. Su música se cimentó en raíces de blues clásico y expandieron y definieron ese género llamado hard rock. Así mismo fue uno de los grupos que dieron paso a la creación del heavy metal (género que creó Black Sabbath).

Su primer LP llamado Led Zeppelin fue publicado el 12 de enero de 1969 y fue un disco muy revolucionario y de él hablaré a continuación.

Revolución musical

Como ya comenté fue un disco muy rompedor que introdujo muchos nuevos conceptos en el rock, sentó las bases del llamado hard rock y ayudo a la creación del heavy metal. Por lo tanto, se podría decir que cambió el género para siempre.

Se encuadra dentro del movimiento del blues británico junto a otros grupos míticos como Ten Years After o Cream pero van aún más allá con un estilo muy personal en el que tienen cabida el rock and roll, el ya mencionado blues, riffs de un virtuosismo tremendo y folk. Todo ello dotó de una nueva percepción al emergente hard rock.

El álbum recibió inicialmente malas críticas, especialmente dura fue la de la revista Rolling Stone. Por suerte debido al boca a boca recuperaron su reputación y lograron alcanzar cotas inimaginables.

Comercialmente sin embargo fue un éxito rotundo. Una de las claves para ello fue el boca a boca tanto por el CD en sí como por los conciertos ya que obtuvieron rápidamente fama de su gran calidad en vivo.

Influencia y legado

La influencia del álbum es ampliamente reconocida, incluso por medios o revistas que en un principio criticaron el disco como Rolling Stone.

Habitualmente se destaca el punto de inflexión que supuso para evolucionar en el hard rock y sentar las bases del metal, así como su contribución a la transformación del rock en un género más serio y complejo de lo que fue concebido en sus inicios (mayor complejidad, duración de las canciones, cambios de ritmo, uso de más instrumentos, mezcla de géneros). 

Aparte de su innegable calidad e influencia también hay que destacar que fue un disco que tuvo un éxito masivo y atrajo tanto a la gente entendida en el mundo de la música como a los aficionados.

Canción a canción

Entrando de lleno en el contenido de cada canción destaco tres canciones de una calidad muy alta y el resto son buenas o muy buenas, aunque no sorprenden tanto. Repito que la clave del disco está en el conjunto completo.

• Good Times, Bad Times: primer single del grupo británico. Canción con un sonido comercial y que permitió dar a conocer su estilo que mezclaba coros pegadizos con un sonido rápido y pesado. Una absoluta maravilla que es muy útil para empezar a escuchar al grupo si no lo has escuchado nunca.

• Babe I'm Gonna Leave You: canción más pausada y que nos muestra como el cuarteto británico es capaz de controlar todas las facetas. En muchos momentos pasamos a trozos más rápidos demostrando que no es un tema acústico al uso. Para acabar destacar sus toques folk para una de las canciones más bellas del grupo.

• You Shook Me: una pieza maravillosa, mágica, suave, pero a la vez muy rítmico. Es una versión de un tema de Willie Dixon. Aquí podemos apreciar claramente como Led Zeppelin es capaz de tocar una canción con una estructura y estilo de blues clásico sin sonar parecido a nada. Puro Led Zeppelin.

• Dazed and Confused: llegamos a la obra maestra del disco y que sin duda estaría en mi top 5 del grupo. Canción con un estilo pesado (por algo son claves en la creación del metal), lento y poderoso. Crean una atmósfera opresiva e incorporan elementos psicodélicos. Poco más que decir. Solo escuchadla.

• Your Time Is Gonna Come: quizás la pieza menos inspirada pero aun así de gran calidad y que dota de mayor variedad al conjunto. Pausado, pegadizo y suave con toques pop. Permite un respiro después de esa maravilla que fue Dazed and Confused.

• Black Mountain Side: instrumental, corta y acústica. Pieza breve, pero de una calidad tremenda que vuelve a demostrar la versatilidad del grupo con toques folk.

• Communication Breakdown: rápida, pegadiza, energética y con un riff mítico. Una de las grandes del disco a pesar de su corta duración. No se le puede poner ni un solo, pero a esta obra maestra. Sino la habéis escuchado estáis tardando.

• I Can't Quit You Baby: genial canción de blues clásico (versión de Willie Dixon otra vez) con ese toque genial que solo Led Zeppelin sabe aportar. Prácticamente es como ir un paso más allá en ese estilo blues clásico y adaptarlo a los nuevos tiempos y al rock.

• How Many More Times: para acabar este disco tenemos otra canción épica que comienza con una intro épica e increíble que da paso a una de las grandes canciones del disco y que proviene de una sesión totalmente improvisada a partir del clásico How Many More Years de Howlin Wolf. Final inolvidable para uno de los mejores discos de la historia de la música.

Conclusión

Debut inigualable que fue el primer cimiento sobre el que se edificó una de las mejores discografías de la historia del rock y de la música en general. Temazos inolvidables, canciones más pausadas que sirven de unión con las demás y ese maravilla única y revolucionario que fue Dazed and Confused.

Nota: 10

Discos similares: los dos primeros de Black Sabbath, Who´s Next, Machine Head, Disraeli Years.

Hasta pronto.

The Guilty

The Guilty

Hoy toca una breve crítica sobre una cinta del año pasado desconocida para muchos pero que entró en mi top 10 del año pasado.


Estoy hablando de la cinta alemana The Guilty dirigida por Gustav Möller y que se convirtió por méritos propios en una de las películas inesperadas el año pasado después de su debut en Sundance.

Introducción

La historia nos sitúa en la piel de Asger Holm, un oficial de policía suspendido temporalmente de su empleo y que se ve relegado a operador en el servicio de emergencias. Durante su jornada laboral recibe una extraña llamada de una mujer asustada que ha sido secuestrada. Nuestro protagonista deberá hacer todo lo posible para ayudarle desde su mesa de la centralita de emergencias.


Este punto de partida no es nuevo y os resultará familiar de cintas como Cellular pero esta cinta va más allá que la película protagonizada por Chris Evans y Kim Basinger y supone un soplo de aire fresco en ese tipo de cintas.

Escenario reducido al máximo y mucha tensión

Debido a la suspensión de funciones que sufre nuestro protagonista, este se ve obligado a trabajar en una habitación de la centralita de emergencias donde solo tiene una pantalla para localizar llamadas y el propio teléfono. De esta forma logra captar rápidamente la atención del espectador al limitar de tal forma las acciones del protagonista.


Debido al espacio muy limitado en el que desarrolla la acción toda nuestra atención se centra en la conversación telefónica y obliga a nuestra mente a imaginar que es lo ocurre al otro lado de la línea (que en ningún momento vemos). En ocasiones solo oímos sonidos débiles y en otras discusiones o ruidos fuertes que hacen que nuestro cerebro intente recrear mentalmente el escenario en el que ocurre todo. 


Por tanto, uno de los puntos fuertes de la cinta es como se nos obliga a introducirnos en la historia, a imaginar que ocurre y nos mantiene atentos hasta el final de forma tan sencilla como efectiva.

Apartado visual y sonoro de primer nivel

Una de las claves de la cinta es el fantástico sonido y el gran uso de silencios prolongados, pausas o momentos en los que la comunicación entre el oficial y la víctima no es del todo fluida. Esto es muy importante ya que la película lo basa todo en una conversación telefónica en la que solo vemos a una de las dos personas implicadas.


También hay que destacar en gran medida la alternancia entre primeros planos prolongados cuando nuestro protagonista debe estar concentrado y atento a la mujer secuestrada y otros más dinámicos cuando la situación lo requiere (situación angustiosa o clave en la cinta). 


Visualmente luce a un gran nivel mostrándonos la sala donde trabaja el oficial. Esta sala tiene mala iluminación en contraposición a la sala general donde trabajan los demás. Es posible que su director nos quiera mostrar esa diferencia entre la oscuridad de nuestro protagonista (tanto por la llamada como por su propia vida personal) y la luz del resto.

Guion sólido y protagonista de gran nivel

El guion de la película es muy sólido y mezcla muy bien dos historias como son el caso en sí que nuestro protagonista debe resolver y su propio problema por el cual ha sido suspendido. Los giros de guion son imprevisibles y aunque es posible que no los necesite en mi opinión añade más alicientes a la cinta.


Por tanto, no estamos ante un thriller al uso como en la ya mencionada Cellular sino que se le añade a ese thriller aparentemente clásico una capa adicional de profundidad en torno al estresante trabajo en el servicio de emergencias y el propio caso del oficial (se irá desvelando a lo largo de la cinta).


Otra clave de la película es el fantástico trabajo del actor protagonista Jakob Cedergren combinando momentos donde actúa con gran contención y otros donde muestra su desesperación y tensión, pero siempre de forma controlada como así lo requiere la cinta.

Conclusión

Estamos ante una película muy notable que sitúo en mi top 10 del año 2018 y por méritos propios se convierte en uno de los mejores thrillers psicológicos de los últimos años.


Coge ideas de cintas como Celullar pero va mucho más allá aportando más contención dramática, un apartado audiovisual superior y mayor profundidad convirtiéndose en una de las grandes sorpresas del último lustro.

Nota: 8

Películas similares: Celullar, Última Llamada, Buried.

Hasta pronto.

Lords of Chaos

Lords of Chaos

Hoy toca hablar de una cinta que ha pasado bastante inadvertida y que sin duda merece la pena dentro de su sencillez.

Si os gustan las cintas sobre el mundo de la música o queréis ver una historia diferente sin duda merece la pena. Es una historia muy desconocida por la mayoría salvo que seáis fans del género u os interese mucho el mundo del metal.

Introducción

La película nos narra la historia del nacimiento y expansión del black metal en Noruega a principios de la década de los 90. Para quien no lo sepa el black metal es un subgénero extremo del metal (o heavy metal como prefiráis) que usa voces rasgadas (guturales) pero agudas, mucha distorsión, rapidez extrema y atmósferas oscuras que pretenden crear una sensación terrorífica en el oyente. Por su parte las letras tratan en muchas ocasiones de temas satánicos, anticristianos o sobre misantropía, pero también sobre otros temas como la destrucción ambiental, misticismo o guerra. Gran parte de los tópicos que se usan por parte de los detractores del metal en general vienen por este subgénero.

Después de esa breve introducción sobre el género para poneros en contexto procedo a hablar de la película. La cinta como comenté nos narra la expansión del black metal en Noruega y se centra sobre todo en el mítico grupo Mayhem y el Inner Circle (fue una organización anticristiana formada por diversas personas relacionadas con el movimiento black metal, cuyos principales objetivos eran erradicar el cristianismo de Noruega y organizar a los grupos musicales del género que compartían una ideología nórdica) y la vida de esos jóvenes.

Historia oscura y trágica con humor

Una de las cosas que más sorprende de la cinta es que tratando un tema oscuro como el black metal noruego y sus crímenes asociados, se le da a la cinta un tono cómico en ocasiones, aunque por supuesto es humor muy negro. Esto hace que sintamos empatía por los protagonistas a los que no vemos como criminales sino como chavales inconscientes, enamorados de la muerte y muy perdidos en su vida.

Una de las claves de la cinta es ser capaz de dotar a la cinta de un toque de humor muy negro y a la vez crear escenas terribles (al poco de comenzar ocurre muy cruda y realista que cambia el devenir de la cinta). De esta forma el espectador empatiza con los personajes a la vez que se siente espantado con determinadas escenas logrando un equilibrio muy complejo de conseguir.

Buenos actores, personajes bien construidos

Los actores escogidos realizan unas buenas interpretaciones, sobretodo Rory Culkin que da vida al creador de Mayhem y creador del black metal noruego Euronymous. Quizás se puede criticar la elección de Emory Cohen para dar vida a un personaje tan complejo e importante (a su manera) como Varg Vikernes. Emory realiza un buen papel, aunque en ocasiones peca de sobreactuación en determinados momentos.

Los dos personajes principales (Varg y Euronymous) están bien construidos y resultan muy interesantes para el espectador, cosa que no se puede decir del resto que en ocasiones son meros maniquíes que giran en torno a ellos. En parte es entendible ya que la historia tiene dos claros protagonistas, pero hay casos como el personaje de Sky Ferreira, que tiene un claro protagonismo, que no son entendibles.

Historia superficial

Podía haber sido una película muy importante que narrase de forma más profunda ese mundo y época, pero lamentablemente se queda en la superficie y se centra demasiado en los dos personajes ya comentados.

Por otro lado, la película no tiene el objetivo de ser la cinta definitiva sobre el metal y en concreto sobre el black metal y tiene clara su condición de entreteniendo más que de documento histórico o pieza clave sobre el retrato de la música en el cine.

Por otro lado, no queda claro donde surge la motivación de nuestros protagonistas de crear y expandir este nuevo estilo de música, aunque repito que seguramente el guionista no quería que su película fuese un documento histórico fiel sino más bien una anécdota bien narrada.

Apartado técnico correcto

Visualmente la cinta luce bien, aunque nada especial. Lo más destacado es sin duda el gran retrato visual de los momentos de reunión de los aficionados al black con escenas siempre nocturnas y con una iluminación muy lograda y fotografía conseguida. 

La ambientación por otro lado es correcta y ciertamente da la sensación de estar en Noruega en la década de los 90 pero es simplemente correcta

Conclusión

Estamos ante una cinta muy interesante que narra una historia bastante desconocida para el gran público de forma divertida y muy original. El tono de la cinta es muy peculiar y puede no gustar a todo el mundo, pero sin duda es acertado.

Lo peor es sin duda la creación de personajes demasiado planos (excepto los dos protagonistas), el apartado técnico correcto sin más y el hecho de mostrar una parte muy concreta de la expansión del black metal sin mostrar motivaciones que llevaron a ello o presentar de forma más detallada el movimiento en sí. Aunque en parte es entendible ya que el objetivo de la cinta es la de ser un buen entretenimiento más que un gran documento histórico.

Nota: 7

Películas similares: cualquier cinta sobre el mundo de la música, aunque difícil que encontréis alguna con este tono y estilo.

Hasta pronto.

Glass

Glass

Hoy toca una breve crítica sobre una de las últimas películas que he visto en el cine. Sino has visto Múltiple no sigas leyendo. 

La película de la que voy a hablar es Glass, secuela de Múltiple y final de la trilogía superheroica creada por M. Night Shyamalan.

Introducción 

En el año 2000 M. Night Shyamalan tenía la complicada tarea de lanzar una película que lograse superar o por lo menos igualar la alargada sombra de El Sexto Sentido, éxito mundial y una de las películas más comentadas de los últimos años.

Era algo complejo repetir un éxito como aquel, pero a pesar de ello volvió a sorprender y entregó una obra en mi opinión más madura, compleja y personal. Por supuesto no tuve el éxito y la repercusión de la película de terror de 1999 pero fue una cinta que con el paso de los años fue ganando más y más fama.

Por el camino hasta el día de hoy entregó otras películas muy interesantes entre las que destaca la muy incomprendida El Bosque. Pero llegó un momento en que su carrera pareció hundirse con After Earth y Airbender. Por suerte logró volver a su esencia en la sorprendente y modesta La visita para posteriormente sorprender al mundo con la notable Múltiple.

Trilogía muy especial, final decepcionante

Al final de Múltiple se nos revela que esta es en realidad una secuela de El Protegido y deja en el aire la idea de que el personaje de James McAvoy y de Bruce Willis van a enfrentarse en una nueva película. De esta forma el director indio tendrá su propio universo superheroico al estilo Marvel y DC. Una sorpresa mayúscula que creo en mí y en mucha gente una expectación sin límites ante lo que podía ser algo único.

Pero una cosa es la idea y otra la forma de llevarlo a cabo. Nada más terminar la cinta te das cuenta de que la idea de juntar los universos de El Protegido y de Múltiple en uno solo era casi imposible puesto que cada una de las cintas tiene un tono muy diferente y particular. Con Múltiple nos encontrábamos antes un thriller psicológico con toques fantásticos y mucha locura. Por otro lado, con El Protegido estábamos ante un drama pausado y reflexivo con toques sobrenaturales y que reflexionaba de forma sofisticada sobre el concepto de héroe y de la relación necesario entre héroe y villano.

Aquí es donde radica el principal problema de la cinta, querer unir dos películas tan diferentes y especiales en una nueva. Por supuesto la cinta no es mala para nada, pero da la sensación todo el rato de desperdiciar su potencial y de no ser una historia uniforme, sino un conjunto de ideas separadas, pero para nada ligadas.

Comienzo prometedor, final abrupto

El comienzo de la cinta es muy prometedor con David Dunn investigando el paradero de La Bestia con el objetivo de atraparlo. Después de este comienzo tan prometedor llegamos a una parte más tranquila (no desvelaré nada de la trama) que aun así es notable y consigue que te intereses por la historia y mantengas tu interés en ver como continúa. Desgraciadamente esa parte se alarga demasiado y acaba en una parte final que parece otra película completamente diferente y que tira por tierra la esencia que estaba consiguiendo una cinta que hasta ese momento estaba al nivel de Múltiple, aunque por debajo de El Protegido.

Claramente el problema es que Shyamalan no consigue unir ambos universos de forma coherente y eso desencadena una serie de situaciones fallidas y dejan una sensación muy agridulce. Aun así, si eres fan de las otras dos cintas te gustará seguro, aunque puede que te sientas decepcionado.

Actores brillantes, puesta en escena irregular

James McAvoy vuelve a brillar en un papel muy complejo, aunque es cierto que su impacto es menor que en Múltiple debido a la pérdida del factor sorpresa. Aun así, deja grandes momentos y por momentos se apodera de la cinta.

Por otro lado, los dos protagonistas de El Protegido vuelven a estar a gran nivel con interpretaciones muy sólidas. Sobretodo destaco a Samuel L. Jackson que está brillante, superior a su interpretación en la cinta del año 2000. Bruce Willis en mi opinión es el peor de los tres (aun estando notable) aunque en parte es debido a que su personaje no está bien desarrollado.

Visualmente la película luce fantástica, con una fotografía muy cuidada marca de la casa. La dirección es notable como es habitual en el director indio, excepto en el tramo final donde no logra conseguir el efecto deseado (si la veis sabréis a que me refiero).

Conclusión

Decepción, es la palabra para describir esta cinta. No es mala ni mucho menos, pero queda muy por debajo de las otras dos entregas de la trilogía. El personaje de Bruce Willis no está bien escrito, la dirección es irregular y el tono de la película no logra encajar ambas cintas previas. Aun así, merece la pena verla para ver como acaba la historia.

Nota: 6,25

Películas similares: Cualquier película de la filmografía del director indio.

Hasta pronto.

Green Book

Green Book

Hoy toca una breve crítica sobre una de las películas favoritas a ganar en los próximos premios Oscar. Esta es Green Book y está dirigida por el conocido Peter Farrelly que junto a su hermano dirigió comedias como la muy divertida Algo Pasa con Mary o Matrimonio Compulsivo.

Introducción 

En Green Book Farrelly abandona la comedia grosera y loca y se centra en realizar una película más sofisticada donde combina comedia y drama. También colabora en la escritura del guion.

Estamos ante la gran favorita (junto a la mexicana Roma) a ganar en los próximos Oscar el premio más importante de la noche. Es un tipo de cinta que se estrena todos los años conocida como Feel Good Movie que son películas que tienen el objetivo de hacer sentir bien al espectador.

Como todo género tiene películas mejores y peores. Algunas se convierten en ejercicios de buenismo patético y manipulador y otras suponen una agradable sorpresa que te mantiene enganchado durante toda la cinta y permanece en tu memoria durante un tiempo (el ejemplo más claro es Intocable). Por suerte en la película que nos ocupa estamos en el segundo caso.

Comedia dramática con estilo propio

Lo primero que destaca de la cinta es que sigue la tradición que han marcado muchas series actuales de comedia, que es mezclar comedia y drama para dotar a la serie de mayor profundidad argumental y riqueza de personajes. Algo similar es lo que encontramos en esta cinta.

El tema que trata que no es otro que el racismo en los años 60 en Estados Unidos, especialmente en la américa profunda y la terrible situación de la gente de color en esos años. Este argumento a priori no es ni mucho menos un tema que pueda parecer adecuado para una comedia, pero la sutileza del guion (basado en hechos reales) logra que funcione.

Aparte de ser una comedia dramática que gira en torno al racismo es también un drama sobre un hombre italiano que lo único que quiere es mantener de la forma que pueda a su familia pero que igual que otra mucha gente esos años tiene demasiados prejuicios hacia lo diferente. También podemos encontrar toques de buddy movie (género que muestra la amistad entre dos personajes protagonistas con personalidades muy diferentes pero que a medida que avanza la cinta van haciéndose amigos) en la divertida relación entre ambos protagonistas.

Esta mezcla de estilos le sienta de maravilla a la cinta y consigue no aburrir en ningún momento. Hay que destacar también que Farrelly es muy consciente en todo momento de lo que tiene entre manos y no pretende aspirar a ser más de lo que debería ser la cinta. Esto ayuda a que la impresión que te produce la cinta al acabar sea muy buena.

Grandes personajes, maravillosos actores

Si algo destaca en la película por encima de todo (incluso del guion) eso son los dos protagonistas de la cinta y la genial relación entre ellos. Tenemos por un lado al virtuoso pianista Don Shirley acostumbrado a vivir en ambientes refinados y con tendencia a mantener las apariencias por encima de todo y por otro lado tenemos al rudo italoamericano Tony Lip, persona de menor clase social, grosero y que actúa siempre según lo que él piensa que debe hacer, sin preocuparse por las falsas apariencias.

La relación entre estos dos personajes es la clave de la película, con muchos diálogos ingeniosos, humor que te hará esbozar más de una sonrisa y momentos dramáticos que te llegan a encoger el corazón.

Evidentemente todo esto no sería posible sin el gran Viggo Mortensen en una interpretación fantástica con un acento italiano muy marcado. Está sencillamente brillante, en el no vemos al actor que ha interpretado a Aragorn, al protagonista de Promesas del Este o al padre de esa película tan original llamada Captain Fantastic, sino que vemos a un italiano rudo pero bondadoso y con muchos prejuicios.

Por otro lado, tenemos al ganador del Oscar a mejor actor de reparto hace dos años Mahershala Ali en un gran papel. El actor de 44 años está brillante dando la réplica a Mortensen y con una interpretación muy comedida y cuidada donde las miradas son clave. En mi opinión su Oscar en Moonlight fue injusto ya que su papel fue muy secundario y aunque ciertamente realizó una gran interpretación no creo que mereciese el premio. En esta ocasión sí creo que lo merece.

Conclusión

Estamos ante una cinta muy agradable de ver, te mete de lleno en la historia y te emociona en algunos momentos. Las dos claves de la misma son los dos protagonistas y la relación entre ellos (además de la brillantez de sus intérpretes) y lo comedido que ha sido Farrelly no queriendo aspirar a algo que la cinta no necesitaba y entregando una película magnífica dentro de su sencillez y pretensiones.

Nota: 7,5

Películas similares: Intocable, Criadas y Señoras

Hasta pronto.

El Reino

El reino

Por motivo de la celebración de los Goya este sábado, hoy toca una breve crítica de una de las películas que más me han impactado del año 2018. Esta es El Reino dirigida por Rodrigo Sorogoyen, director de la notable Que Dios nos Perdone.

Es sobretodo una película dedicada a todos aquellos que dicen que en España no se hace buen cine, para ellos aquí está este thriller adrenalítico, intenso y con grandes interpretaciones.

Introducción 

El director Rodrigo Sorogoyen ya dio mucho que hablar con su anterior cinta, la muy entretenida Que Dios nos Perdone. Aquella era un notable thriller policiaco en el marco del 15-M y de una etapa terrible de la crisis económica en España en la que por desgracia aún seguimos. Recibió grandes críticas y contó con 6 nominaciones a los premios Goya en el año 2017.

En esta ocasión va más allá creando un thriller político intenso y brutal donde pretende mostrarnos la corrupción en España tal y como es y sumergirnos en ese mundo oscuro, pero a la vez tan real. Y sale de este reto con nota.

Realidad de la corrupción

La cinta comienza de forma tranquila mostrándonos la vida de esa gente. Son políticos corruptos que han perdido cualquier muestra de moral o empatía hacia los demás. Viven de forma inmejorable y se jactan de ello. No solo ellos sino sus familias también.

Esa primera parte de la cinta es tan real como las noticias que vemos a diario por la televisión. Pero la vida para Manuel, protagonista de la cinta, pronto cambiará cuando su propio partido le dé la espalda y tendrá que vivir al límite para no caer solo.

La ambientación de la cinta va pasando de lujosos restaurantes a fiestas privadas en el mar, despachos y casas. Todo muy realista y que nos mete de lleno en ese ambiente de los políticos corruptos. Evidenciando la perfecta maquinaria corrupta que existe en nuestro país Como bien aparece en la sinopsis de la cinta, los reyes caen, pero los reinos continúan.

Ritmo trepidante y tensión al límite

La gran premisa de la cinta es la de no dar respiro al espectador introduciéndonos en ese mundo de manera brutal y adrenalítica. La cinta comienza de forma pausada pero poco a poco va sumergiéndonos en la espiral de locura a la que se ve abocado su protagonista para evitar cargar el solo con toda la responsabilidad.

La dirección de Sorogoyen es muy fluida alternando planos cortos para dar tensión con otros más largos en los que tomamos un ligero respiro. Todo transcurre entre despachos y restaurantes con una cámara muy ágil, pero a la vez estilizada dotando a la película de un estilo visual muy cuidado. La fotografía es fantástica y dota a la cinta de una potencia visual por encima de su anterior obra.

Todo es muy auténtico, visceral y muy agobiante a la vez que vergonzoso. Los diálogos son muy agiles y muy bien construidos, lo cual ayuda a escapar del efectismo barato y dotar a la película de realismo.

Actuaciones brillantes, Antonio de la Torre a otro nivel

Todos los actores están fantásticos, pero destaca por encima de todos Antonio de la Torre en la mejor interpretación de su carrera. Si no ocurre nada extraño el actor malagueño recibirá este año un más que merecido Goya después de muchas nominaciones. El actor hace suya la cinta con una interpretación muy contenida a la vez que visceral y humana.

Pero a su lado hay que destacar a las grandes Ana Wagener y Bárbara Lennie (incomprensible que estando en todas las grandes películas del año en este país no este nominada) a un gran nivel como siempre y especialmente al gallego Luis Zahera en una interpretación muy viva e intensa que nos hace pensar en el futuro brillante que tiene en el cine español. Parece sacado de una película de Scorsese, por momentos parece que estás viendo al Joe Pesci de Uno de los Nuestros.

Conclusión

Estamos ante una obra mayor de un director con carácter propio y ganas de hacer buen cine. Es un thriller muy intenso, dinámico y realista sobre una realidad que desgraciadamente es muy común hoy en día y muy especialmente en nuestro país. Pocas pegas se le pueden poner más allá de un final un poco precipitado y quizás le falte describir más en detalle los mecanismos del partido para esas actividades ilegales. Por lo demás no le falta nada y cumple sobradamente lo que se espera de ella, pero sin esos detalles llegaría a ser una película sobresaliente.

Nota: 8,25

Películas similares: Que Dios nos Perdone, Todos los Hombres del Presidente, La Escopeta Nacional, 

Hasta pronto.